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助けてもらう力

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作家って、ある意味で偶然起こる
小さな奇跡に助けられながら生きているように思います。

例えば
◯家がお金持ち
◯嫁さんがお金持ち
◯容姿が良い
◯代々の作家家系
◯話すのがやけにうまい
◯プロモーションがうまい
◯運命の画廊と一発で知り合う
など、など

上に書いたのは、わりとあり得る話です。
普通にしていたら起こらないことでも
無我夢中で何かに没頭していたら、どうにかなることは多い。

◆僕の場合
「助けてもらう力」みたいなものがたまに作用します。
実力ではない他力が僕を何度も救ってくれました。
具体的に言うと
・そもそも協力的な両親の元に生まれたこと。
・父の実家が梨農家だったため、そのあとに漆の植栽を始めたこと。
・予約作品が展示1週間前にキャンセルされたけど、初日に売れたこと。
・企業さんに助けてもらっとこと。
書ききれないこと、たくさんあります。

実のところ、自分でコントロール出来ない要素だらけで
恥ずかしい作家人生です。
その時々に助けてくれる人がいて、
それを本当にありがたく受け取って来ました。
「そんな大きな申し出厚かましくて受け入れられない」と思うようなことも
ありがたく受け取って来まし。

ご飯を奢ってもらうことから、
家業の梨農家を全て漆に変えること。
今、京都にいること。たくさんの恩人がいて
全てを「ありがとうございます」と言って受け取りました。


この厚かましさ。
ある意味才能かもしれません。
「助けてもらう力」みたいな甘えた能力は今までの日本には合わないかもしれません。
でも、
ひょっとしたら、その分、僕も誰かを助けているのかもしれません。
または、「こいつならいつか誰かの役に立つはずだ」と思って投資してくれているのかもしれません。
「ありがとうございます」と言って受け取ってきた物やことを何倍にもして返せるような気がします。

これからも誰かが手を差し伸べてくれた時
その手をしっかり掴んで、引き上げてもらいたいと思います。
そしていつでも誰かを引き上げられるような人間になりたい。


厚かましくても、甘えても
自分一人の努力でまわる世界を夢見るよりは、
少しだけ世界が優しく見えるように思えるのです。

信頼がお金に変わる時代に作家ができること

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現在は信頼が数値になりやすい時代になりました。
考えてみてください、ちょっと前まで家電を買う時
電気屋さんのオススメを聞いて買ってましたよね。
でも、今は電気屋さんのトークなんて信用しません。
それより消費者の声がダイレクトに聞けるアマゾンのレビューに価値があります。
なんせ立場が違います。売り手の売り文句より、同じ立場の声の方が信頼に値しますよね。
つまり、物を買う時の1つの指標に同じ立場の人の声は信頼で、
その数は信頼の数値化といえます。

◆sns上では、フォロワー数もある部分で信頼の量と言えます。
発信力と影響力という面では、テレビに変わるメディアになるのは時間の問題でしょう。(いや、すでに変わってるか)
ここまで、信頼の形が今までと変わって来たということを言いましたが
それがお金に変わるというのはどういうことでしょうか、
アマゾンの例では、レビューが伸びる商品は上位表示されるし
さらに売れる構造になっていますよね。
snsも同様に発信力がある人は、さらにその影響が拡散されて
ブロガーやyoutuberといった新しい職業が生まれ来ました。

◆では、美術はどうか
やはり、sns上での人気は実世界とつながっています。
世界的なアーティストにはフォロワーが多いです。
僕たちの世代より上の人の場合、実世界の人気がフォロワー数につながるという動きだったことが想像できるけど、
今後はsns上の人気から実世界への人気となるアーティストも増えてくるように思えます。

すでに音楽の世界では、youtubeやニコ生の配信からプロになることは当たり前だから
美術の世界でもそのような流れになってゆきます。
ただ、美術の場合、扱う物が一般的に高額なため、
音楽配信や漫画の配信のように多くの人から少しずつお金を集めるモデルが作りにくいです。
例えば、音楽のダウンロードとか、漫画のダウンロードは数百円ですから
人気がダイレクトにお金に変わりやすいですよね。好き→課金がしやすい。
美術の場合、一点ものだと、世界に一点しかないので
上記のビジネスモデルとは違って来ます。

◆つまり、認知されている量が多くても実際に
購買につながるのはほんの一握りの人に限られて来ます。
これは単純な数ではなく、信頼の大きさが必要になって来ます。
広く知られていることはその中に潜在的なお客様がいる可能性があるけど
重要なのは作品と作り手の持つ信頼感なのです。

僕は作家ですが、作品を買うのも好きなコレクターでもあります。
本当に尊敬できる作家さんの作品って、
ある部分で作風を超えてその人の作品があるだけで勇気がもらえるような感覚があります。
現代は信頼が数値化されやすい時代で
そこには認知だけではない力があります。


知ってるだけのあの人より
信頼できるあの人を大切にしたいというのは
時代やシステムがどんなに変わっても変わらない人間的な部分なのですね。

僕が就職せずに作家になった理由

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僕は大学を卒業してから今まで企業に就職したことがありません。
就職しなかった理由は、ただ、できなかったからです。
実は、稼ぐ力がなくて職業訓練でウェブデザインを習って
ウェブ関係の就活をしたことがあります。
でも、受からなかったんです。

さらに美術関係の就活では
小さな美術館の管理とか、
ペンキ屋さんの面接なども受けたこともあります。
でも、全部ダメだったんです。

就職活動に失敗するというのは、割とダメージが大きいけど
どこかで「漆を続けるための食いぶち」みたいな気持ちがあったから
受からなくても当然な部分もあるのです。
でも、二十代の頃はやっぱり将来が不安でした。
それに何も社会に貢献できていないようで、毎日恥ずかしかったです。

それでも恥ずかしい気持ちながら漆を続けていました。
「将来のことを考えろ」とか
「もっと安いもので買いやすいものを作れ」というのは
すごくたくさん言われました。
それに対して「最高の作品を作って見返す」という気持ちが強くなったのもこの時期です。

僕にとって幸運だったのは
一番の身内に「将来のことを考えろ」といってくる人が一人もいなかったことです。
もし信頼している人や家族に「将来のことを考えろ」と言われたら
心折れていたかもしれません。


中途半端な就活に失敗し続けた劣等感とか
悔しい気持ちを抱きながら続けて来た漆だけど、
今となっては就職せずに毎日漆に触れ続けることができてよかったと思います。
たぶん20代の僕は一日も休まずに作業部屋に入っていました。

今もそうだけど、好きなことをしてそれが仕事にできるのは最高だと思います
世界ではまだ無名だけど、これからも嬉々として仕事して、歴史的名作を作ります。

美術作品を贅沢品ではなく社会貢献のツールにするには

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日本における美術品の購入はお金持ちの贅沢として捉えられがちです。
これはZOZOの前澤さんがバスキアを123億円で購入した時もアンチに騒がれたことからもわかります。
コレクターがコレクションすることで叩かれる意味がわかりません。
が、実際に公私どちらとしてもお金が美術に使われることを否定的に感じる人がいます。
過去にも東京都が現代美術館が1995年の開館時に約6億円でロイ・リキテンスタインを購入した際に、問題になったようです。
今となってはリキテンスタインの代表作を6億円で買っていたなんて「よくやった!」と絶賛したいけど、
当時は「公費を漫画に使いやがって!」みたいな空気だったのでしょうか。


実際のところ美術は単なる贅沢なのでしょうか。
同時に美術に公共性があるとしたらいかなるものなのか。
コレクションされた作品が公共の利益になるとしたら2つのパターンがあるように思います。
まずは、寄贈による美術館収蔵
そして、財団や私設美術館による公開

明治工芸の一大コレクションを作った三年坂美術館の村田館長は後者と言えます。
ZOZOの前澤社長も近い将来美術館作るのでは?と思っています。
現在私立美術館として公開されているものも、財閥や大名がルーツになっているものが多いです。

一方で、日本美術の弱点は寄贈の文化がない、または一般的ではないことでしょう。
実は日本の美術館って予算が少なくて、新規のコレクション収蔵に苦しんでいます。
美術の振興に国が予算をつけて、たくさんの美術品をコレクションするというのは理想ですが、
なかなかそう簡単ではないんですね。
なので、ポイントになるのは、価値の高い寄贈によるコレクションの形だと思います。

最近では、アメリカのメトロポリタン美術館への竹工芸の大規模な展覧会と寄贈があり
工芸関係者としては胸熱でした。本当に。


そこで思うのが、コレクションへの寄贈文化の違いです。
どうやら、アーティストとギャラリストとコレクターと美術館が滑らかにつながっていて
美術の体系が出来上がっています。
つまり、アーティストが作ったものをギャラリストがコレクターに勧める
それが将来、どこの美術館に収めて、どのような社会的価値があるのか、
そこまでギャラリストがマネージメントしているようです。

日本の場合、それぞれが分断されているようなイメージで
作品は売れた瞬間から行方不明みたいな感じ、そして所有者が変わったとしても
誰も知られずに、押し入れに入ってしまうみたいなことが起こります。

アートの市場が弱いというのはつまり、流れがないということのようです。
アーティストとギャラリストとコレクターと美術館という流れができて、寄贈への税金優遇がさらに拡大されたら
きっと美術作品は贅沢品ではなく、より社会貢献のツールになると思うのです。

2018年を振り返る 下半期

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「2018年を振り返る 上半期」記事は こちら
底冷えの京都から
今年の下半期を振り返ってゆきます。

◆7月◆
本展の制作を頑張った月でした。
藤の花の花びらの加飾が思ったより時間がかかったんです。
1日8時間作業して、花びら3枚とかの進度で焦りました。

◆8月◆
そして、無事本展作品が完成しました。

◆9月◆
9月に次回の個展の詳細が決まりました。
詳細記事はこちら

◆10月◆
実は、10月に結婚しました。
ついに、結婚できました!

そして「アートエキスポ マレーシア」へ
ギャラリー花影抄さんのブースから酒器を出品させていただきました。

浅井康宏 蒔絵高坏 「光華」
浅井康宏 蒔絵高坏 「光華」

◆11月◆
長い時間かけて作っていた、中次が完成し、日本伝統漆芸展へ出品しました。
写真はまだないので、撮影したらアップしますね。

◆12月◆
月刊美術に作品を紹介していただけました。

浅井康宏 蒔絵酒器「夕刻の海」
浅井康宏 蒔絵酒器「夕刻の海」

今年の展示は池袋西武にて年末の「うるし・うつわ・おわん展」が最後になります。
充実の一年でしたが、来年はもっともっと質・量とも充実させてゆきます!

2018年を振り返る

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京都の紅葉も終わりに近づいて来ました。

ちょっと早いですが、今年の活動を振り返ってみようと思います。
◆1月◆

漆芸展に「青貝棗」を出品しました。
この作品は、約8ヶ月かけて作った作品で、
色彩表現の可能性に一定の成果を上げることができた重要な作品でした。
しかし、その制作期間の長さから新しい悩みが生まれるきっかけにもなりました。

◆2月◆

ドイツのフェア 「Ambiente2018」
瑞鳳堂さんのブースから出品させて頂きました。
作品は錫の茶筒2点
実は、直前まで作っていたので、ドイツまで直接搬入しました。
その後、パリに行って念願のルーブル美術館に行けました。

◆3月◆
「日本伝統工芸 近畿支部展」に蒔絵螺鈿六角香合を出品

浅井康宏 蒔絵螺鈿六角香合
浅井康宏 蒔絵螺鈿六角香合

◆4月◆
CRAFT SAKE WEEK at ROPPONGI「しゅきや」に酒器2点出品

浅井康宏 蒔絵螺鈿高坏 「菊華」
浅井康宏 蒔絵螺鈿高坏 「菊華」

◆5月◆
「漆の現在 2018」展出品
過去記事はこちら
充実した制作ができ、まとまった点数の作品を出品することができました。

◆6月◆
月刊美術の「用と美 工芸」特集に作品を2点紹介いただきました。
過去記事はこちら

下半期はまた後日

アーティストにも必要?売上の仕組みを解説するよ <作家限定記事>

売上とはなんでしょう?
いきなり「売上の説明をして」と言われたら、
「売上は、売上でしょ?」みたいにとっさに悩んでしまいますよね。

客数×単価×頻度=売上

利益を上げるためのテクニックとか、売上アップ方法!みたいな情報って
本屋とかネットにあふれていますが、
原則は
◯お客様を増やすこと
◯単価を上げる
◯購入頻度を増やすこと

上記の三つです。


僕が売上について書くのはアーティストにもお金についての感覚が必要だと感じたからです。
別に原価計算とか、厳密に行って作品価格を割り出すことに意味はないと思うけど、
売上とは何か、
売上を上げる方法は何かというのは最低限知っていたほうがいいのは確かでしょう。

◆なぜ、その知識が必要なのか◆
理由は、自分が作っているものが
原則のどの部分に沿っているか知るためです。

例えば、僕が個展を行うことをイメージしてみてください。
要素の1つ「お客様を増やす」に注目してみると、
作るべきは食器とか、手軽な小物が頭に浮かびます。

ただし、僕はいつもいうように
お客様を増やすより、長く付き合える関係を大切にしたいので、
「お客様を増やす」ことを実は重視していません。
つまり、要素は全てを平均的に上げていません。
作品の性質や活動の内容によって力の入れ方を考えればいいのです。

◆では、売上を2倍にしたいなら◆
数学上、売り上げを上げるためには実はお客様を増やさなくてもいいのです。
客数、単価、頻度をそれぞれたった30%アップさせれば、売上は2.2倍になります。
逆に、たくさん集客したいがために、単価を半分にすると、通常の1.5倍の集客ができたとしても、売上は25%下がります。

◆知識を実践に落とし込むとしたら◆
ビジネスの世界ではきっと当たり前のことでも、
実践的に売上の構造を分解したことはなありませんでした。
上記のように、ものをたくさん作るのはいいけど、安いものを作りすぎると、集客は伸びても結果に結びつかないことが多くあります。
僕はたまたま低価格の作品を作るのが苦手だったから、
「たくさん作れないなら、出会ったお客様を大切にしよう」と決めて
結果的に売上の原則でいうところの
◯単価を上げる
◯購入頻度を増やすこと
を自然に行っていたことになります。

このように分野によって、できることとできないことがあります。
陶芸作家と漆芸作家では作品制作の流れが違うので、
それぞれの強みや特性に合わせた活動が必要になりますよね。

僕の場合「数を作れない」という壁にぶつかりました。
悩んだ結果「数を作らない」に転回できたのは、
原則に当てはめて、自分の考えにも未来があると感じることができたからです。
つまり、弱みを強みに変化させることができたわけです。

作家なので、手元の仕事が絶対大切だけど、
広い視点でキャリアを眺めた時、自分の作らなければならないものと
作りたいものが見えてきます。
弱みと強みも見えてきます。

「ボヘミアンラプソディ」を見てきたよ

話題の「ボヘミアンラプソディ」
クイーンをモデルにした映画です。
僕が行ったのが、フレディマーキュリーの命日
11月24日

別に、その日を狙って行ったわけではなかったのですが
上映回は「熱狂応援上映」という特別メニューでした。
クイーン×熱狂上映て相性抜群では?

ちなみに、「熱狂応援上映」とは、館内で騒いでいい上映です。
海外の映画館だったら、割と笑い声とか、ツッコミが起こりますが、
日本の映画館って、完全なる静寂を観覧者に求められていますよね。
考えてみてください。
「We Will Rock You」の
ドン、ドン、チャ🎶
というイントロが館内で起こったら。。。


映画の感想としては
ロックと映画館の相性がとにかく良くて、上映序盤からモチベーションマックス⤴︎になります。
とにかく大音量でど迫力。
クイーンは何枚かアルバムを持って聞いていましたが、
代表曲くらいしか知りない「ファンじゃ無いけど知ってる程度の客」として見に行きました。


フレディは人種差別を受ける出っ歯キャラという設定
でも歌わせたらスゴイ。
クイーンのメンバーと出会い成功してゆく。

CDでもフレディの歌唱力はわかりますが、
映画で見ると(俳優さんだけど)あらためて、
フレディ・マーキュリーが歌唱力おばけだったことを実感しました。
それとともに、ブライアン・メイのギターがかなりかっこいい。
実は、ブライアン・メイのギターを集中して聞いてきませんでした。
理由は音楽のジャンルとして、クイーンの音楽が多彩すぎてギターバンドというイメージが無かったからかな。
映像とともにギターサウンドを聞くと、その独自性や超ロックしてる側面のクイーンを目の当たりにしました。


ストーリーは、成功、メンバー間の対立、恋愛、ドラッグ、復活といった、バンド系映画の王道ストーリーです。
でも、スピード感のある進行と音、館内の雰囲気のライブ感が心地よかったです。

「ボヘミアンラプソディ」は映画館がおすすめです。
最後の20世紀最大のチャリティ・イベント“ライブ・エイド”のステージを体感し
「熱血応援上映」でドン、ドン、チャ🎶やってきてください!

カメラレンズ解像度をめぐる旅

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カメラネタの記事になります。
作品撮影の理想を求めて日々思案しているところです。
おそらくこの冒険の道のりは

◯カメラを選ぶ
◯レンズを選ぶ
◯スタジオを整える
◯実践で漆の撮影を極める

という順番になってゆくと考えています。
現在はカメラを選んでレンズについてあれころ試しているところです。
レンズに関してのこだわりは、解像度と黒を美しく表現できることです。
その他に
◯マクロ撮影(細かい部分を切り抜くような撮影)
◯アオリ撮影(箱物のパースを最小限にするための撮影)
が課題です。
それぞれに専門のレンズが必要なんだけど、ブツ撮り専門のレンズはありません。
だから「花を撮るのが得意」「ポートレートが得意」みたいな特徴から
これなら漆の撮影に合うのでは?というので考えて探しています。
現在は持っているのは、昔フィルムで使っていたニコンレンズが2本(標準ズームと標準50mm)
先日購入したシグマレンズ(24-105mm撮影の標準ズーム)
そしてベローズというアオリ機構に合わせたレンズが5本

↓ベローズつけた状態


さて、調べているうちに
「ズームレンズと単焦点(ズームできないレンズ)では単焦点の方が性能良い」というのがわかってきました。
正直、そんなに差がないと思っていたから、汎用性のあるズームで事足りると思っていました。
しかし、ベローズを使って単焦点でマクロ(接写)で撮影して気づきました。
完璧にセッティングした時の単焦点の解像度はものすごい。
普通に撮影した写真を拡大したところ「顕微鏡かよ!」てくらい拡大しても
画像にボケが現れないくらい解像してしまったのです。

上の画像がそれです。
この画像は棗という手のひらサイズの蓋物をパシャりと写したものを
PC画面で拡大ボタンを連打し続けて、さらに切り取り、ブログ用に画質を落としたものです。
写ってるのは貝のパーツです、ひとつのカケラがおそらく0.5mmくらいのものです。
それを角の割れているような素材感まで表現してしまいました。


同じよにセッティングしても、ズームだとここまで拡大することはできないのです。
もうここまでになってくると、一般的な印刷物やウェブで再現できないのでは?
つまり、自己満足の領域になってきているような気もします。
ただ、その写りのクオリティに感動してしたので追求したい。


アオリ撮影については、フランジバックという、レンズが持つセンサーと接続機構の距離によるピント距離関係で
35mmサイズ(現在僕が持っているカメラのサイズ)の撮影では小さいものしかできないことがわかりました。
ただ、マクロの撮影はベローズを使い高いクオリティで作品の詳細を描くことができます。

残りの課題を克服するためにはもう一つレンズが必要になりそうです。
旅は続く。

工房の毎日

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現在僕の工房は
僕を含め2〜3人で制作しています。
大学の終了制作シーズンなので、学生スタッフさんは学業優先ということで、しばらく少人数で作っていますが、
一人で制作する日は週末だけになりました。


工房ではどんな毎日が送られているのでしょうか。

工房の一日

カレンダーを見つめる。
ちなみに2022くらいまでのカレンダーを作って予定を入れてゆきます。
カレンダーには制作予定の作品を付箋で貼ってゆきます。

スタッフ「この予定で行くと、貝の貼り終わりが〇月◯日の午前になりますね。」
浅井「いいね。それなら次の塗り込みを入れて、、◯日前に仕上がるはず。」

浅井「あ、この作品仕上げる前にこっちを先に仕上げる必要があるんだった。。。」
スタッフ「。。。誰がその日の貝貼りするんですか?」
浅井「誰だろう。」
スタッフ「先生が土曜日貼れば間に合います!」
浅井「はい!」


浅井「あ、そういえば、来年の◯月に〇〇ギャラリーに作品送るって言ってたよね」
スタッフ「聞いてません」
スタッフ「どのタイミングで作る予定にしてたんですか!!」
浅井「ど、どこでしょうw」
スタッフ「そういうのは早めに言いましょう!」
浅井「はい!とにかく作りましょう!!」
そしてカレンダーに作品リストの付箋が増えてゆくのです。

臨場感のある文章は難しいけど、
工房では毎日だいたいこんな会話の中、制作が行われています。


締め切りがあれば、逆算してあらゆる工程の日程が決まります。
そのために日々作業をしています。計画的だけど、ライブ感満載の毎日です。

忙しいけど、それがまた楽しい。