カテゴリー別アーカイブ: 漆に生きる日々 京都編

30代になっても親のすねをかじり続けた日々のこと。

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恥ずかしくてなかなか言えなかったことですが、
最近気持ちに変化が生まれて、間違っていなかったと思えること。

僕は32歳くらいまで親のすねをかじりながら制作を続けていました。
それはもう、恥ずかしい日々で外では毅然と振舞って、
家に帰ると震えながら作るような日々です。
33歳くらいから何とか制作で生活が細々とつないで行けるようになり、
個展に向かうことができました。
ただ、個展制作でお金が足りなくなると助けてもらいながら作っていたのが内情です。

うちの父親がNTTで定年まで勤めて応援し続けてくれたこと、祖父母の協力が得られたことで
僕の作家活動は続けることができました。
先にも書いた通り、金銭面では20代ボロボロでしたので
祖父母が作るお米と野菜を送ってもらうことで生活費を極限まで抑えていました。

就職を考えなかったわけではなく
過去記事にも書いた通り就職もできなくて (過去記事はこちら
「ああ、もう美術で生きてゆきたい」という悲しみと、開き直りの毎日でした。

その時、付き合っていた人に服を買ってもらったり
飲み屋に行って色々な人に奢ってもらい
料理屋の女将さんに残り物を食べさせてもらっていました。
毎年年末に実家に帰ると母親とユニクロに行き下着を買ってもらう30代男性。。ああ、なんたることでしょうか。

で、今そんなことを書こうと思えるのは、
そのような決断や恥ずかしい日々が今から見るとそこまで間違っていなかったように思えるからです。

まず、そんな日々でも毎日朝から作業をしていました。
その結果、技術力が上がり、多くの新しい技法への挑戦ができました。
就職して漆以外の仕事をしていたら、今の技術の20パーセントにも達していなかったでしょう。

それにお金を得ることはできなかったけど、
ひょっとしたら、周りの人から少しだけ信用を得ていたのかもしれない。
今は社会との接点を作ることができて、少しずつ貢献できるようになりましたが、
その時代に信用してくれていた周りの人たちの心の広さに、感謝しきりです。

だから、信じられる未来があるなのら
常識的な道から外れても、恥ずかしい毎日を送っても
愚直にそれを追い求めてもいいのかもしれないと今では思うし、
僕より若い人にもそう言えるかもしれません。

十分に恩返しができるだろうし、何より楽しみが多い人生に間違いはないように思います。

売れ続ける作家の条件

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「売れ続ける作家の条件って何かありますか?」
百貨店の美術画廊担当者にそういう質問をしてみました。
「そうですね、1つあげるとしたら、変わり続けることですね」


美術の世界で長く生き続けるのはなかなか難しく、
間違いなく10年後には市場の景色は大きく変わっています。
新しい作家が生まれ、ある時期売れていた作家が消えているなんてのはよくあることです。

でも、その中でも活躍し続ける作家もいる。
消えてゆく人、生き残る人の違いは何なのか。
売り手の意見を聞いてみたくなったのです。

「変わり続けること」の後にこう続きました。
「作家特有の印象は残しつつ、以前の個展とはやはり違うと思わせてくれる作家は売れ続けますね」
つまり、全体を通してその人らしさがあり、なおかつ前回と違う挑戦があるということ。
それがないと、「お客様からしても、これも持ってるし、これも持ってる。じゃあ、一番小さいこれをいただきます」
というように、コレクションの幅を持たせられなくなるという。

最近は40代を見据えた作家活動を意識していて、
長期的に成長し続けられる作家として、どのように活動するか考えています。
「作品の印象を大切にしながら変わり続ける」というのはまさに大切にしていることです。
例えば、村上春樹さんの小説は、毎回のように世界観が変化しているのに、
不思議と読後感は「村上春樹を読んだ」という充実感があります。
音楽でも息の長いバンドにはそのような感覚があったりします。

美術作家にもやはり、そういうものが必要で、
ドキドキするような切れ味を毎回更新する必要があります。

それと、作家活動を新人時代、中堅、円熟期
という感じに20年スパンで区切るなら、それぞれに移行期があります。
若手新人時代は応援したいと思ってくれるコレクターさんと一緒に成長することができますが、
中堅作家や円熟期の作家に応援というのは少し違ってきます。
ある部分で、権威や知名度が作品流通の重要な基準になります。
人間国宝に「頑張ってね!応援してるからこの作品かうよ!」とはなりませんからね。

僕はこれから若手から中堅へと移行してゆきます。
そのために色々な挑戦をしてゆこうと思っていて、
その1つは海外へのアプローチです。
漆芸はまだ評価を上げる要素をたくさん秘めていると思っていて、
それを最大化させるための活動を行ってゆきます。

世界に向けた活動の中にも
浅井康宏らしさを構築できて、常に変化と前進を両立できる美意識を育てるのは可能だと思っています。

ここにとどまって安定した作品を作るのは心地いいし、
安心感があるけど、そういう制作活動に明日はないのです。
全然売れなかった時期が長いから、現状を当たり前だと思わないし、
何度でも立ち上がる気持ちがあるので、
もっともっと遠くに行きたくてたまらないんですよね。

未来に向かって小さく始めて大きく育てる

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経験も人脈もお金もない状態で何かに挑戦して、成功するためのコツがあるとしたら
小さく、スピード感を持って動くことです。
これはいろんな伝記を読んでいて気づいたことです。
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ナイキ創業者 フィル・ナイト

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クラフトビール、ブリュードックのジェームズ・ワット)

どのような業界でも、大手に立ち向かうのはかなり難しい。
資金力とか、人脈やノウハウが蓄積されている強敵に無課金状態で立ち向かうようなものです。
だから同じことをせずに、アイデアと時間を味方につけて、
未来に向かって小さくそして、スピーディに活動することを、僕の作家活動の指針にしてきました。

テコの原理のように
小さな力で大きなものを動かすようなイメージです。
僕が行ってきてよかったと思うことを2つ紹介します。

○まず1つ目はブログです。
ブログにお金はほとんどかかりません。サーバー代が年間で数千円かかるだけ。
アメブロやライブドアブログなど、外部サービスを利用すれば無料です。

具体的に良かったと思えることは、
芸術領域としての認知が低い漆芸に関して十分に発信できるメディアを作れたことです。
もちろん作品発表に勝る表現はありませんが、
生身の人間として、どのように作品が作られ、現代をどう捉えながら未来を作ってゆこうとしているのか、
言葉にしたいこともたくさんありました。
それを更新しています。


○紙媒体を作る
前回の個展「ー光をめぐるー」という展覧会で
僕は図録を制作しました、無名の新人の初個展のようなもので。
百貨店が図録を作ってくれるわけもないです。
だから自分で出版社を立ち上げて全てを自分たちで作り上げました。
出版社を立ち上げるまではしなくて良いと思いますが、紙媒体は美術と相性が良いので、できるだけこだわって良いポイントだと思います。

小さな力でスピーディに、かつクオリティの高いものを作るポイントは
○写真の質
○信頼できる友人と一緒に
○クラウドソーシングを使う
○技術力の高い印刷会社を探す

上記の4点です。
まず、写真に関しては、10年以上撮影をお願いしていた
アローアートワークスの中嶋さんに作品が完成したらその都度撮影をお願いし、
作業撮影は星野裕也さんにお願いして、満足のいく画像を揃えることができました。

画像を元に紙媒体に編集するのは友人に協力してもらって
ともに作り上げてゆきました。

クラウドソーシング(ウェブ経由で仕事を依頼する仕組み)で校正を依頼し
印刷会社にデータを納品して図録を完成させました。

このように最小限の力で納得ができる図録を作り上げることができたと思っています。
ノウハウがないから、一から勉強することは多いし、失敗の可能性もあったけど、小さく始めても良い結果が得られる体験でした。


毎日の小さな活動も
色々な方向から眺めて、常に前進を続けたら未来をより明るくできるはずです。

クリエイティブな隙間を作る

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新しい発想を生み出そうとする時に必要なことが2つあります。

○十分なインプット
○クリエイティブな隙間

この2点は実感として作品を作る絶対条件です。

今回はクリエイティブな隙間について書こうと思います。
というのも、今年になってから強く隙間の重要性を感じたからです。
昨年末からグループ展出品作品の追い込みが続き、数ヶ月間休みなしの日々が続いていました。

別にそれは良いのです。
「作業を続けて頑張ってる俺」がいて
そこそこ充実感もある。毎日ジムに行ってるから体も調子を崩すことがない。
でも、問題が1つありました。
新しい図案が全くできなかったのです。
実のところ、僕の作品の作業は、手先が器用で集中力がある人が10人いたらその中のもっとも優秀な人はこなせます。
だけど、僕の作品のデザインを考えられる人間は僕以外にいません。
手の中にある技も大切だけど、それを生かす発想、デザインが生命線なのだけど、
そこに頭が回らな日々が続きました。

僕の中で何が起こっていたかというと
まず、本が読めなくなっていました。
活字から得られる情報のイメージから作品を発想することもできるし
図録を見ることから気づきを得られるけど、それをすることができなかった。

そして、余暇(隙間)を全く作ることができませんでした。
だから、指先に集中しているけど、実はそれは新しい発想に直結していませんでした。
(作業から何かヒラメキを得ることもあるけど、極端に追い込まれた状況ではそれも難しいことを実感しました。)

新しい発想において
○十分なインプット
○クリエイティブな隙間
は必須条件だけど、実は2つとも意図的に得られることです。
ただ、両方とも意図的に時間を作らなければならないのも事実です。
効果が短期的に得られるものではないだけにおろそかになりやすいけど
大切なことでした。

最近通常通りの制作に戻り
インプットと隙間を作ることができて、
アイデアを常時生み出すペースが戻ってきました。

オークションに浅井康宏の作品が!

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オークションに「蔵出漆芸作家 浅井康宏作品 輪島塗螺鈿象嵌蒔絵『山桜』四方卓」が!!
でも、これ僕の作品ではありません。
このブログを書いている時点で、違反申告をして、出品は取り消されています。
リンクが生きていたら下のURLでヤフオクに飛びます。
https://page.auctions.yahoo.co.jp/jp/auction/g337785602

画像の中で銘が載っていますが
宏という字が見えます。
あとは宏という印。
作品も僕のものではありませんし、
銘の書き方と印も違います。

ちなみに
作品の桐箱の蓋裏に銘を書きますが、最近は制作年を書くようにしています。
あと下の名前だけだと間違えが起こりやすいので、数年前から浅井康宏作と縦書きしています。
展覧会出品作であれば、出品した展覧会も書いています。


今回の出来事ですが、このようなことが起こった場合でも、できるだけ早く対応できるように
以前からオークションのアラート機能に「浅井康宏」と登録していました。
万が一自作が出品されたり、贋作が出た時に素早く対応できるようにしていました。

おかげさまで、出品はすぐに取り消されて
間違って誰かの元に作品が収まることはありませんでした。
今後もこのようなことが起こった時には早く気づいて
対応をとってゆきたいと思います。

何か情報がございましたらご連絡いただけましたら幸いです。

1つのことをやり終えた後の気持ちの入れ替え方法

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1つのことをやり終えた後に、無気力にってしまうことありませんか。
僕はあります。それも数ヶ月元に戻れないくらい、ペースをつかめない廃人と化してしまいます。
記憶が鮮明なのは、学生時代の卒業制作。
それに年に一度の伝統工芸展の出品作を作り終えた後の虚無感ときたら。。

ただ、今はすぐに切り替えることができます。
最近だと、「美の予感」展に全力を傾けていたので、
廃人となってもおかしくなかったのだけど、
京都に帰った次の日から普通に作業をしていました。

なぜ気持ちを入れ替えることができるようになったかと言えば、
それは、規則正しい生活のおかげです。
ブログで度々書いているように、僕は朝方人間です。
作家の生活は夜型をイメージされますが、
僕の場合、20代の頃から朝方を意識していました。

というのも、やっぱり作業していると夜型になりやすいんです。
夜遅くまで仕事してしまうし、そうすると次の日の朝が辛いから
ジワリと時間軸が夜に移ってゆきます。
それも悪いことではないと思うんだけど、
漆の場合、作業のピークを作らないことが作品のポイントになります。
つまり、熱中してどっぷり作業することより、淡々と毎日長時間仕事する必要があって
そのために心も体も淡々と毎日を送り続けるのが、
長期的に作業量を最大化させることができると気がつきました。

なので、僕はよっぽどのことがない限り
作業の開始時間を固定しています。終了時間は変わるけど、
明日始める時間は固定。

これには、精神的にも良い点があって
この記事のテーマである気持ちの入れ替えにも良いのです。
やる気スイッチを探したり押したりする必要がない
と例えると良いのか、とにかく「ああ、今日は仕事したくないなー」と思うことなく
仕事机について手を動かし始めてしまいます。

これはもう何年も行ってきた習慣となっているので
テンションとかやる気と関係ないんです。
自分を律するとかそんなことではなく、単なる習慣だし
仕事が好きなのも手伝って、作業量は最大化されていると思います。

ちなみに習慣化するための細かなルーティンもいくつかあります。
イチロー選手が打席に入る時、いつも同じ行動をとるように、
僕も仕事場に行くと、まず、神棚に水をお供えして
その後ポットでお茶を沸かして作業を開始します。

習慣化と小さなルーティンおすすめです。

才能のない奴が生きてゆく方法

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業界にはそれぞれ天才的な才能を持つ人がいます。
残念ながら、僕は天才ではありませんでした。
僕にとっての天才とは、表現と社会との接点を感覚的に掴む能力が高い人。
そして、見つけたきっかけにどこまでも純粋であれる人です。
僕はそうじゃないんです。

でなければ、漆を始めてから15年も作品が一点も売れないなんてことはなかったはずです。
僕の作品が初めて購入してもらえたのが、29歳の時だから、そこまでは社会との接点はありませんでした。

ただ、個展を機に自分と社会、そして作品と現代との接点を見つけたのは確かです。
そのことについて自分なりに考えてゆくと、見えてくるものがあります。
まず、
前提として自分は天才型ではないと自覚していて、努力型の戦い方を模索していた。
美術において、少しの挫折したりはしたけど、漆に関して劣等感を抱くことはありませんでした。
ただ、自分が天才ではないと思っていたので、「漆の努力はなんでもしよう」と言う決意はありました。
僕の作業量はとても多くて、毎日定時に作業を始めてそれを何年も続けてきました。
才能がなくても量でなんとかなるという単純な発想です。今もそれは正しいと思っています。

本をたくさん読む
本は読んでいて良かったと思うことが多いです。
例えば、アイデアが生まれる構造って解明されているので、
脳科学とか、デザイン系の本を読み漁っていると、どのような仕組みで新しいものを生み出せるか書いてあります。
ひらめきを産むために、努力できると知って、僕は随分励まされました。

人を尊敬する
大学に入って専門的に何かを習うと「あれ、今までと何か違うな」という実感があります。
別に大学でなくてもいいんだけど、実地で掴み取った凄みのある人は大学の先生や修行先の師匠という形で人生に登場してくれます。
その人たちの技術はもちろんですが、考え方を学びました。
純粋に尊敬しまくっていたし、今でも尊敬できる人は多いです。
そして、お客様を尊敬しています。
なぜかというと、僕はたまたま漆という素材に出会って、中の人となりましたが、
そうではない目線で漆の魅力を発見してくれた人。
僕はよくご飯に連れて行ってもらったり、逆にお誘いしていろいろなことを教えてもらいました。
純粋に、お客様を尊敬しています。
多くの知識や経験を持った人たちと漆で繋がることができたのは幸運です。


美術の道は長くてこれからも続いてゆくけど、
僕が才能に奢って、何か活動が狭まることはありません。
才能がないを前提にしているから、圧倒的な努力でそれを埋めようともがき続けます。

答えはないんだけど、
明日また、同じ時間に作業部屋に入って、作業することはできます。
毎日淡々と、漆を続けることが、
才能のない奴が生きてゆく方法で、その先には光があると信じているんです。

難易度が高いことが好き

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難易度が高い挑戦が好きですか?
僕は好きです。
特に、制作における難易度は高ければ高いほど燃える(萌える)タイプです。

子供の頃からずっとそうで、
「作る」こととなると、難易度をいつも求めていました。
この自分の性質が漆に合っていて、
漆はそこそこ作品になるまでの難易度がとても高いので
今までも、これからもきっと、熱中し続ける気がします。


難易度が高い理由は
それぞれの工程の互換性がほとんどないから、
全ての仕事がしっかりこなせるまで、うまいものが作れないということ。

例えば、下地にしても、
布着せとサビつけは全く違う作業ですが、
それぞれ完璧でないと、美しい下地になりません。
漆の漆黒を得るためには、塗りの工程と研ぎの工程が完璧でなくてはならず、
ツヤを得るには呂色をあげる技術が必要です。

ここまでが、塗りの工程で
加飾となると、また何通りにも別れています。
で、それを一人でこなす技術と使い分ける知識が折り重なり1つの作品ができます。


そもそも、分業制であったり
多人数制作で発達した分野だから、一人での制作は難易度が高いのです。
20代の後半くらいから、時間の制約によって作品の可能性が削がれていることに耐えられなくなって、
一人で作ることをやめました。
そして、新しい「チームで制作する難易度」に出会いました。
工房体制で作るというのは、物事をたやすくするためではなく、
より難易度の高いものを作るためのステップでしかありません。
運営をやりながら制作を加速させてゆくのは、今までの何倍も難しい。
だけど、作品のクオリティは確実に上がってきました。


僕が作っているものは
単体の作品ではなく、

○現代の工房体制
○漆芸を中心としたコミュニティ
○日本文化を海外へ同期させることのできる接点

だと考えています。
作品を介した一大文化圏を形成したい。
僕の人生の中でどこまでやれるのか。
難易度は高いけど、できる気がするし、
何より楽しいです。

2017年 初個展までの道のり

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2年前の2017年4月
僕は念願の初個展を開催することができました。
高校生の時から漆芸を始めているから、個展までに15年以上の時間がかかってしまいました。

もともと百貨店で個展がしたいと思っていたので
初個展はギャラリーではなく、百貨店の美術画廊の一択でした。
その道のりを書いてゆきます。


◆活動の舞台
僕の活動の舞台は「日本伝統工芸展」という公募展です。
知っている人も多いかと思いますが、日本工芸会という公益社団法人が主催する展覧会です。
毎年NHK「日曜美術館」で紹介されます。65回を数える古い展覧会です。

この伝統工芸展はわりと百貨店の美術画廊とつながりがあり、
伝統工芸展入賞→百貨店での個展
というのはよくあるパターンです。

ただ、
漆の場合、狭き門なのです。
理由は2つ
1、作品数が少ない
2、作品単価が高く若手の作品を売りにくい
若手の作品でも最初から高いので、販売するのが難しく
個展の機会もベテラン中心になる傾向があります。

◆漆芸若手の活路は?
上記のように、漆芸の若手で個展の機会をもらうにはどうしたらいいのだろうか?
答えが全く見つけられず、先輩作家に聞きまくる日々が始まりました。
まず恩師に相談して「紹介してください」と頼んでも「わかった機会があったら紹介するよ」
となるも実際に話は進まない。
他のベテラン作家に相談したら「営業しなさい」とのこと。
だけど
「営業!?」美術での営業ってなに?て感じでわかりませんでした。

◆実際に営業する
いざ営業といっても、百貨店の美術って組織なので
誰になにをプレゼンテーションすればいいのかわからない。
実際にどんなポジションの人に話せばいいのか、今でもわかりません。
その頃僕はとにかく個展したいオーラを出していました。
(実は、百貨店での個展がハードル高くて、いろいろなギャラリーにもアプローチしました。
しかし、まだまだ個展できるレベルじゃないね。って感じで、全然話が進みませんでした。)

◆転機
転機が訪れたのは僕が30歳の時、日本伝統漆芸展で最高賞の「文化庁長官賞」を受賞した時でした。
関東にいる若手作家は展覧会の作品撮影の際、桐箱から作品を出す仕事を行います。
その日撮影の当番に行くと「浅井くん、賞とってるよ」とその場で知らせてもらいました。
めちゃくちゃ嬉しくて、その場にうずくまってると。
「最高賞とったんだから、浅井くんに個展させてあげてよ」とベテラン作家さんが西武の担当者に進言してくれて、
そこにいた担当者も「検討してみます」という流れになりました。
「ついにきた!!」

◆その後の平行線
だけど、そこから話が進みませんでした。
その時にいた担当者は直接的な決定権がなかったので、ちょっとしたノリで話したような感じで具体的な話になっていませんでした。
そこで、「西武で行う小さなグループ展に参加させてもらって、実績を積み上げよう」という感じで年末の「おわん展」に参加させてもらいました。
とにかく一生懸命作品を作って、できるだけ会場にいて作品を買ってもらいました。
作品がいくつか売れたので、改めて担当者に「個展の話を進めたいんですが」と決定権のある人に紹介を頼みました。

◆期待値ゼロからスタートする
先方としてはあまり乗り気ではないけど、漆芸展、おわん展とつながりができ他のでゆっくりと話が前に進み始めた気配がありました。

全然スムーズではない僕の個展までの道のりはこんな感じです。
個展というのは多くの人と時間とお金が関わってきます。
(例えば池袋のスペースを1週間借り続ける、そして問い合わせに対応する。ホームページを更新するなど、
多くの時間がかかるのが個展です。「大丈夫かな?」腰が重くなるのも納得)
自分の作品が、世間とつながるための商売になるかが試されるハードルというのを実感しました。

個展が決まってから、制作、個展スタートまでの物語はまた書きます。

作品が完成した時の気持ち

作品が完成する気持ち、僕の場合
複雑です。
1作品に長く関わり過ぎていると、いろいろな意味で客観的な目線を失います。
最初に「これはいいぞ!」と考えて制作をスタートさせるわけだけど、
期間が長くなるほど、スタート地点の気持ちから時間的な距離が離れてゆき、
「完成してくれ」という祈りみたいになってきます。
特に、一粒ずつ貼ってゆく作業は修行みたいで、
途中から無心になります。

このシリーズは前作の棗と今作で2つ目ですが、

作業的には単純です。
ただ、長時間の集中力と執念が必要で
「光を具象表現する」ことを目指して実験しています。
ある程度成果は出ていると思っているんだけど、
時間がかかりすぎるからリスクが大きくて、制作費用が高い割に作品価格を上げにくいです。
制作期間が長いと、そういうことを悶々と考えることになって、
「完成した!わーい」という気持ちはありますが、
1つの日常が終わって、「さあ、次の日常へ向かいましょうか」という自分もいます。

あとは、完成した時の雰囲気を作ることについて最近わかってきたことがあって、
それは見えない部分の完成度が作品が纏う空気感であるということです。
この完成度に関して、少し前なら自分にしかわからないことだと思っていました。
だって、裏のツヤって写真ではわかりませんからね。
でも、それが作品の完成度に関わってきて、しかも、見る人にも伝わるのです。
自分で「絶対これで完成!」と言い切れる作品でないと、人の心が動かせないのです。


今だに作品の完成って複雑な気持ちになります。
「やりきった」という気持ちと「寂しさ」が入り混じります。
寂しさは、作業時間があまり長かったので、どこかで無気力になってしまうことだと思います。
自分の手を離れた作品を見るのが、人生で最も感動的な瞬間だけど、
その感情はちょっと切なくて、でも何度でも味わいたいものです。


ちなみに僕は作品を擬人化しません。
だから作品が売れても「嫁入り」という表現を使いません。
誰かに喜んでもらいたいと思って作ってるけど、
最前線で作品と向き合えるんだから、幸せな仕事です。