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30代半ばの僕が気づいた「人生を少しだけ自分らしく生きる方法」

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誰かに何かをさとすわけでは無いけど、
36年生きてきた中で見つけた、少しだけ自分らしく生きられるコツがあってそれを書こうと思います。


プロローグ
僕の記事をいくつか読んでくれていたり、
SNSで僕のことを知ってくれた人は知っていると思いますが、
僕は漆芸作家という職業で生きています。
詳しいプロフィールは上の方にあるリンクをクリックしてみてください。

僕は若い頃不登校だったり、
うつ病になったり20代まではとにかく
「生きにくさ」を感じ続けていました。
それが30代になると少しづつ
自分らしく、そして、少しだけラクに生きられるようになりました。


ここからは、なぜ僕が抱えていた問題がなくなっていったか説明してゆきます。

結局のところ人生を困難にしているの勝手な思い込みだったと気がつきました。
20代の頃の僕はとにかく、
「〇〇をしたら誰かにどう見られるかわからない。」
「〇〇をしたら恥をかく。」
という観念に囚われて、
いつもどこにもいない誰かに気を使って生きていたような気がします。

だけど、はっきり言って、僕の事なんて誰も気にしていません
自分が思っているほど、人は僕の事なんて気にしてないし、
僕も他の何人、何十人の事なんて自分の時間の中で考えていませんでした。

例えば付き合ったばかりの彼女がいるなら、その子のことばかり考えてしまうかもしれないけど、
一日のうちに考えている時間なんて知れているし、他人や、ちょっとした知り合いなら
それこそ、気にもとめません。

「ああ、他の人にどう思われるかなんか気にしすぎなくてもいいのか」
「だって、自分も思ったより人の事気にしてなかったしな」
という気づきが人生を自分の元に近づけてくれました。


◇そしてもう1つ。
他人の中に自分を作らない事。
僕はとにかく「あの人にどう思われているのだろうか」
という他人の中の自分像を気にしすぎていたように思います。
前述した通り、誰かにとっての自分なんて絶対的な他人なのだから、
自分が思っているほど他の人の中に自分像など存在していませんでした。

そして、大切なのが
「その人にどう思われようが自分に責任は無い」という事実です。
例えば、どんな善人がいても善人が嫌いな人がいます。
どこか被災地に多額の寄付をしても叩かれる人がいるように
善行を嫌う人もいるのです。

でも善行を行なって嫌われても、当然「自分が行なった善行で嫌われてしまった。僕は悪い。。。」
などと悩む必要はありませんよね。

つまり、自分らしく生きようとした時に、
誰かが後ろ指を指すかも知れないし、それを否定し笑う人がいるかも知れない。
でもそれは自分の責任ではありません。
否定的な人の中にある僕の姿に、僕は責任を取る必要がないと気がついた時、
ずいぶん楽になりました。

他人の中の自分像が自分が思い描いているものと違っても、
その自分像の責任は宿主にある。
という感じです。

「なんだ、さっさと自分が思ったことを軽快にこなせばこんなに楽しかったのか」
というのが、30代の僕が気がついたことです。

肩の力を抜いて自分を見つめると、
少しだけ楽しい明日が見つかるかも知れません。

説明しにくい様式美

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海外に出ると、なおさら伝えきれない様式美。
僕が当たり前のように作っている、伝統工芸の作品には、
造形要素として、用途が含まれています。
棗などのお茶を入れる用途はわかりやすいけど、
箱物になると、様式美としての物の在りようについて
外国で理解してもらうのが難しい。

いや、日本でも、用途を持つとアートとして扱われにくくなります。
長い間、様式美ごと海外に輸出しようと思っていました。
なぜかというと、日本美術に核心に様式美があって、それをすごく魅力的だと思い続けてきたからです。


僕は単純に蒔絵に出会った時「こんな美しいものがこの世の中にあるなんて!」と
心のそこから感動しました。それが高校時代です。
その作品は松田権六や赤塚自得の作品で、箱の形をしていました。
なんの違和感も持たずに僕も箱物を作り始めましたが、
次第に、なぜこのようなものが作られ、そして現在も続いているのか考えるようになりました。
そして、その核心に物を通した様式を愛でる文化に気がつきました。

わかりやすく説明すると、
過去に作られた多くの蒔絵の名作はそれぞれ用途を持っています。
例えば、文箱だったり、経箱だったり、
だけど使われた形跡がないものや、何年かに一度の祭事にのみ使われるものがあったりします。
つまり、単純な用途のほかに、祭器や調度のような精神的な部分を宿した「箱の形をした何か」
というどうにも説明しづらい文化が伝わっているのです。
ここの部分を感じ、そして、現代における最先端のアプローチを試すことが作家性だと思い活動してきました。

だけど、それを伝えるのは難しかった、いや、時間がかかりすぎてしまいます。
たぶん保守的に見えてしまうこともあるでしょう。

これから何を作って、何を伝えるべきなのか、日々悶々と考えます。
「自分にもっと才能があれば、圧倒的な作品で全てを伝えることができるのに」と。

個展中の作家が喜ぶ 陣中見舞ギフトベスト5

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個展やグループ展を開催すると
たくさんの知り合いが来てくれて、いろいろなお祝いをいただきます。
例えば
○和菓子
○お酒
○洋菓子
などなど。

僕も知り合いの展覧会などに行くとき
お土産を持っていくことが多いですが、
今回は作家目線で、ありがたいお土産をご紹介します。
あくまでも僕個人の感想なので、その辺りをご了承ください。




プロローグ
以前から知り合いの作家さんの個展に行く際は、お祝いも兼ねて
お土産を持っていくことが多く、その際はデパートで洋菓子などを買っていました。
その後、自分が個展を開催し、たくさんの方からお土産をいただくようになって気づいたことがあります。
お土産は気持ちなので、全て嬉しいです。
だけど、1週間で数十箱のお菓子をいただくと、
いくつか困ったことが起きたのです。

想像してみてください。
個展開催中の控え室に数十個のお菓子の箱が積み上がっていると
持って帰ることができません。まとめて梱包して家に送ることになります。
さらに、食べ物には賞味期限があるので、それとも戦わなければならないのです。
生菓子だと食べきれなければ廃棄しなければなりません。
そういった経験から、作家にとってどのような贈り物が一番良いのか考えるようになりました。
そこで僕がもらって嬉しかった贈り物をご紹介しようと思います。


もらって嬉しい陣中見舞トップ5

1、お金
味気無いトップでごめんなさい、でも一番ありがたかったのがお金でした。
個展開催には何かとお金がかかります。そんなときお祝いにお金をもらえるととても助かります。
現金の他にもギフト券や若い作家ならアマゾンギフトカードも嬉しいはずです。

2、お花
お花は文句なしで嬉しいです。

花束をもらうとものすごく嬉しかったです。
最近はAmazonからでもお花を送ることができるので、個展前に開催画廊にお花を贈ってみるのはいかがでしょうか。
「花束 指定日配達」で検索すると出てきます。

※追記 会場によってはお花NGの場合があるようです。贈る前に事前確認が必要ですね。先ほどツイッターで教えていただきました。

3、お手紙やメッセージ
贈り物の中に一言メッセージやお手紙が入っていると嬉しいものです。
もちろん単体で手紙いただけるのも作家やっててよかったと思えます。

4、お茶
お茶はとてもありがたかったです。
賞味期限を気にしなくてもいいし、軽いです。
日常的楽しむことができるので、オススメです。

5、日持ちのする軽いお菓子
洋菓子など賞味期限の長いお菓子
色々美味しそうなものを探してきてくれたんだなと思うととても嬉しいです。
賞味期限が長いものでも羊羹のように重いものより、軽い洋菓子がオススメです。


総じて贈り物は全て嬉しいです!本当に!!
それだけに、廃棄しなければならないのが辛すぎるのです。
「ああ、せっかく〇〇さんが選んでくれたお菓子なのに、賞味期限が過ぎてしまった。。」
と、捨てるのが申し訳なくて。

他にこれはオススメ!というものがあったら教えてください。

オーダー作品の難しさ

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僕がオーダーをあまり受けない理由は単純で
100%頼まれたものより良いものを作ろうとするからです。
オーダーを受ける時って、
納期と金額が決まっていますよね。

作り始めてしまうと採算度外視で制作がエスカレートするので、
とても良いものが完成します。
実はそういうお題をいただく制作も嫌いではありません。
時間があればもっと作りたいです。
でもなかなか難しい。

なので、お世話になっている方からいただく話や
強い思い入れを感じる話の時に
「やります!」と言ってオーダーを受けます。

このような人生の大切な時のために
制作できた時、作家で良かったと思えます。

美術画廊に行ってみよう! 入門編

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美術画廊やギャラリーに行ったことありますか?
今回の記事は、初めてだと緊張する美術画廊の扉を開けるお手伝いになればと思います。


銀座に行くとたくさんの画廊やギャラリーがありますよね。
ビルの地下とか、4階とか、ただでさえ敷居が高そうなのに「入りにくいわ!」てなるかもしれません。
慣れているとはいえ、僕でも初めて行く画廊や初めて見に行く作家さんの個展は少し緊張します。

ところでなぜ緊張するのでしょうか。
いくつか理由があると思います。例えば。

○店員さん、作家に話しかけられそう。
○「自分、場違いなのでは?」と思ってしまう。
○買わされそう。
○見に行くだけじゃ迷惑かけてしまうのではないかと思ってしまう。

美術館とは全然違う環境なので、
集中して美術に向き合えるか心配ですよね。

でも大丈夫です。

まず画廊に一歩入ってみてください。
実は画廊巡りの第一歩に工芸系の展示はおすすめです。
理由は、
触れる事ができるからです。
陶芸や漆の作品だと使う物が展示されているので、
自然と「手に取ってみてください」とか
「この作品の素材は〇〇で、だからとても口当たりがいいんです」みたいな話になったりします。
(作家によって、話すのが苦手な人と得意な人がいるので一概にはいえません。)
見るだけではなく、触ることや知識も得られます。
だからと言って、気に入らない作品を買う必要は全くありません。

作家の気持ちとして
「ただ見に来やがって!」なんてこれっぽっちも思ってません。本当に。
詳しくは過去記事を読んでください。
↓過去記事↓
過去記事「展覧会に「買わなくても見に行くだけでもいいんですか?」という質問に対して「見にきてください!」と心から言うよ」

それと百貨店の美術画廊も入りやすいのでオススメです。
入り口は大きいし、店内は明るくて開放的なのでとても入りやすいと思います!

ふらりと銀座を巡ってギャラリーに入ってみるのもいいのですが、
SNSや雑誌から情報を得て、好みの作家や好きなタイプの画廊を見つけてもらえると、
より画廊でみる美術が好きになると思います。

制作にまつわるお金の話。

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蒔絵師の制作費ってどのくらいかかっているのか気になる人も多いのではないでしょうか。
だって、日常的に金を使う職業なのでなかなか想像しにくいですよね。

僕は工房体制で制作しているので、材料費とスタッフの人件費と家賃が固定費としてかかってきます。
年間で必要な制作費は全部含めて950万円くらいです。
この金額を多いと感じるか、少ないと感じるかは業界によって様々だと思いますが、
僕の現状としては相当キツイものがあります。
金の価格も高騰を続けています。

1作品制作するのに必要な資金は小さな作品でも100万円を超えてきたし、
大きな作品で、4年がかりで作っているものは一体いくらかかるのか
考えないようにしています。
どのなに小さな作品でも数ヶ月加飾し続けるので、
コストは上がってゆきます。


もう少し利益のことを考えるならば、
クオリティを保ったまま、数を作る選択もあるのだけど、
数を多く作る選択肢を捨てて
全てを作品のクオリティの向上に向けて舵を切ったので、
活動が難しくなるばかりです。


なぜそんな無謀なことをしているかというと、
それは、現代最高の作品を一秒でも早く作りたいと思うからです。
誰かと比べて良いとか、悪いとかではなく、
現代最高の作品を次の時代に残したいのです。

このような目標のもと制作していますが、
クオリティを上げて行く時、見えない壁のようなものが立ちはだかります。
それはまるで、
大気圏のような、
音速の壁のような、
人類を阻む見えない壁みたい。

ある一定の場所までは自然に上達するのだけど、
突然難易度が上がる、
そこを越えるためには、今までの労力の何倍もかかってきます。

制作資金も次の段階を目指すと
今までの数倍の時間とお金が必要になってきます。

今ははっきり言って苦しいけど、
その先にまだ見たことのないような景色があると信じています。
そんな壁を飛び越えようとする作品と活動を見て楽しんでもらえたら嬉しいです。

見ててください、すごい景色を描いてみせます。




個性の作り方

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個性というのは意識して作るものではなく、じわりと滲み出てくるものだから
「個性!個性!」と声だかに言うのは好きではありません。
美術では「個性」と言うか「違い」が少なからず武器になる部分もあるので書いてみます。

先に書いたように僕が「個性」と声だかに言うのが嫌いなのは
意識的に個性的であろうとする人が苦手だからと言うのもあります。
自然体で人と違う部分があるのは当然なので、
それならいいんだけど、作品や振る舞いや服装に狙って無理している感じが
見えてしまうと、距離を置きたくなります。

では自然体な個性とは何で、どう生み出すのでしょうか。

ここからは美術に関して僕が考えてきた個性の作り方について書きます。


基本を大切にする
実は違いを産むために大切なものは基本だったりします。
美術を学ぶ初期段階でおちいりやすいのは
「人と違うものを作ろう」とスタートしてしまうこと。

もしそのような焦りがあるとしたら、
大丈夫、同じ容姿や声の人がいないように、
盗作を考えていない限り、誰かと同じものは作れません。
たとえ誰かに憧れて、その要素を自分のものにしようとしても、
なんども繰り返し工夫しているうちに
自然と自分らしさが生まれます。

つまり最初のうちは基本をダイレクトに表現していても
必ず変わって自分らしくなってしまいます。

これを例えるならば、
野球のスイングに似ているように思います。
どんなに個性的な選手も、最初野球を習い始めた時には
基本的なバッティングフォームを習います。
でも、何万回、何十万回と素振りをしたり実践を重ねる中で、
自分の形が出来上がってきます。
たとえばイチロー選手のような個性的なフォームも
最初からあったわけではなく、自分の身体的特徴や
打者のスタイルを確立する中で完成したものです。


好きを言語化してみる
僕はよく、好きなことをなぜ好きなのか言語化してみます。
たとえば、
恩師の作品が好なポイントを挙げてみると

1、蒔絵の金と黒の対比が好き
2、ポイントで見える螺鈿が好き
3、造形的な緊張感が好き

このように、言語化してみると
自分の作品に応用した時に、
必ずしもかぶらない表現で好きを叶える方法がたくさんあることに気がつきます。

参照元 日本工芸会HP

上の作品は恩師の室瀬和美先生の作品で、僕が影響を受けた作品の1つです。
この作品の好きポイントを言語化して作ったのが「光の道」と言う作品です。

1、蒔絵の金と黒の対比が好き
2、ポイントで見える螺鈿が好き
3、造形的な緊張感が好き

好きなポイントを自分なりの解釈で表現しても同じ作品にはならないし、
僕らしさも出ているように思います。
他にもたくさんの好きを言語化してゆくと、
ぼんやりしていた自分の個性が、形作られてゆきます。


僕はこのようなことを心がけて日々制作しています。
何よりも、毎日の積み重ねが自分の作品を生かしてゆくように感じるので、
小さな基本と
好きを言葉に置き換える習慣オススメします。

焦り

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僕の制作におけるモチベーションの1つに
焦りがあります。

実はいつも焦っていて、
「早く作らなくちゃ」
「もっとインパクトのあるものを」
という、恐怖に追いまくられています。
それはもう、起きているうちは常に頭の中は焦りでいっぱいです。

その焦りはどこからきているかというと、
単純に
「世界でどれだけ勝負できるのか」答えが欲しいという
すごく田舎者的発想ですが、常に夢を見ています。

1つ1つの作品に満足し、
個展やグループ展に意義を見いだせればいいんだけど
どのような結果であれ、
「もっと」という物足りなさと、
「遠くへ行かなくちゃ」という焦りにとらわれています。

それが、制作において良いのか悪いのか、今はわからないけど
いつまでも満足しないで走り続ける気はします。
苦しい時もあるけど
現段階での理想に近づく作品が完成した時の
幸福感は何物にも代え難くて、
次の日には「もっと」という焦りに変わるのでけど、
それでも作る動機の1つになってくれています。

snsをやっていてよかったこと

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色々なsnsをやっていてよかったと思うことがあります。
ちなみに僕がアカウント持ってるのは
◯FaceBook https://www.facebook.com/makie.yasuhiro.asai/
◯twitter https://twitter.com/YasuhiroAsai69
◯instagram https://www.instagram.com/yasuhiro_asai_jp/
◯YouTube https://youtu.be/PPigY5nX-9E

他にもPinterestとかmixiとかもありますが、
メインで使ってるのは上記のサービスです。

現在では、メールのやり取りから通話まで
snsの中で完結するような便利な時代なので、
本当に頼りにしています。

作家としてsnsをやっていてよかったと思えることがいくつかあるので
ご紹介します。

知り合いが増える
名刺交換しただけだと、疎遠になってしまう人でも
snsを通じて交流が続く人は多くて、情報交換に助かることは多いです。

告知がスムーズ
展覧会の告知はもちろんDMで出しますが、
住所を知らない人にも知ってもらえるのがいいですね。
「ツイッターで知りました」と言ってもらえると嬉しいです。

コレクターやギャラリストの意見を聞ける
これは本当にsnsに感謝していることですが、
コレクターさんの投稿は本当に楽しみです。
僕自身も作品を買うのが好きなので情報を得ることや 
どのようなソースから情報を得ているかなど勉強になることが多い。
ギャラリストも同様で「どのような考えで新しいアーティストを探しているのか」
そして「どのように育てているのか」など勉強になります。

作家と繋がれる
同世代の作家とたくさん繋がることができました。
実際に会ったことがある人やそうでない人もいるけど、
刺激をたくさんもらっています。


総じてSNSアカウントを持っていてマイナスになったことはありません。
「他人の幸福が辛い」と思うタイプの人には辛い世界かもしれないけど、
そうでないのならsnsに登録しない手はありません。

作家にオススメはフェイスブックとツイッターです。
上記の2つは双方向的なコミュニケーションの場に育っているように思います。

インスタグラムもアートとの相性がいいと思うので、
そちらもどんどん更新してゆきます。

仕事の値段を決める方法を教えてもらった話

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以前のツイートで反響が大きかった

僕が東京の北区に暮らしている時
近所に金工の人間国宝 奥山峰石先生が工房を持っておられました。
ある時期から僕は奥山先生と知り合い
先生が主催している「北区の工芸展」に出品させていただくようになりました。

先生は職人気質な部分と、作家らしさも持っている人で、
何よりとても優しい方です。
よく「飲みに出ておいで」と誘ってくださり、お寿司やスッポンなど
元気の出そうなものを食べに連れて行ってくれました。

仕事の面でも「しっかりサポートします」と言ってくれて
たぶん差し迫った用途でもないと思うのに、僕に仕事を作ってくれるために
「この作品を水指にしたいので蓋を作ってください」と頼んでくれました。
20代の僕は、仕事の値段のつけ方もわからないし、
何より、人間国宝の先生の作品の蓋を作れるというのがとにかく光栄で嬉しかった。
納品に行った時に
「勉強になりました。1万5000円お願いします」と言うと、
強い口調で
「そんなのでは仕事になりません!」と言われ
最初に持って行った納品書を受け取ってくれず、
言った値段よりずっと多く手渡してくれました。
それとは別に、車代、そして「お昼に一緒にうなぎを食べにゆこう」とご馳走してもらいました。

そう言う仕事を何度もいただいて
常におっしゃっていたのが、
「必ず、次もやっていいと思える値段を言ってください」と言うこと。
活動を始めた当初というのは、
自分の仕事の値段を決めるのが難しく、安くなりすぎることがあります。
仕事で誰かのお金を奪ってしまっているような感覚になります。

だけど、奥山先生から実践的な教えをいただき、
何より自信をつけていただきました。


奥山先生は現在も力作を作られており、作品は日本伝統工芸展で見ることができます。
過去作はこちらからみられます。

https://www.nihonkogeikai.or.jp/works/848